23/3/17

ESSENTIAL KILLING ( Jerzy Skolimowski, 2010)


Después de casi veinte años de ausencia el polaco Jerzy Skolimowski, que brilló en las dos vidas que vivió (la primera en los años sesenta, la segunda en los ochenta) vuelve a dirigir cine y elige para su rantrenn un motivo tradicional del cine político de todos los tiempos: el tema de la cacería humana. Los primeros minutos de Essential Killing (la película dSkolimowski que vamos a ver esta noche en Primer Plano) dan la clave de todo el film: pocas palabras, muchas órdenes, una imagen cruda y austera concentrada en una secuencia implacable de acciones físicas y una obsesiva falta de detalles que mantiene la ficción en un nivel de generalidad y abstracción notables.
Un hombre es capturado en el desierto por fuerzas militares, deducimos (porque la película es más bien parca al respecto) que el hombre es un talibán peligroso, que el desierto es algún campo de batalla de oriente medio y que las fuerzas militares son tropas de ocupación norteamericana. Lo trasladan a Polonia (la oscura, nevada, inhóspita Polonia) probablemente para seguir investigándolo y en medio del traslado, aprovechando un accidente, el preso emprende la fuga con un enfurecido contingente de soldados, perros y helicópteros tras sus huellas.
Dos veces premiada en el Festival de Venecia de 2010, Essential Killing es la historia de esa persecución: un ejército contra un hombre sólo. Skolimowski no se distrae ni da explicaciones, ignora las ansiedades elementales de todo espectador impaciente pero filma a ese prófugo que lucha por su vida con un grado de concentración y de intensidad que da escalofrío, y sin embargo, a medida que el film avanza, ese calvario frenético cambia y se abre a una serie de dimensiones inesperadas, casi poéticas: la fuga se vuelve alucinación y lo humano entabla extrañas relaciones con lo animal.
¿Qué es Essential Killing? ¿Una alegoría militante contra la política americana en Medio Oriente? ¿Una oda al espíritu de resistencia? ¿Un ensayo sobre los límites de la  humanidad? ¿Una fábula psicodédila disfrazada de película de acción? Quizá todo eso al mismo tiempo y sin duda un film perturbador a la altura del gran Skolimowski de El grito, Trabajo clandestino o The lightship.

El texto es transcripción de la presentación realizada por Alan Pauls el 17 de octubre de 2012 en el marco del ciclo especial sobre lo mejor del cine Europeo en Primer Plano I sat:  


20/3/17

LOS ABRAZOS ROTOS (Pedro Almodovar, 2009)


Como pasa con casi todas las películas de Pedro Almodóvar es difícil, casi imposible, resumir el argumento de Los abrazos rotos (demasiados hechos, demasiados personajes, demasiados tiempos entrelazados, demasiadas vueltas de turca) pero quizá la solución sea simple, Los abrazos rotos no cuenta una ni dos ni muchas historias, más bien despliega una serie de transformaciones: cómo un director de cine exitoso se convierte en guionista ciego que se acuesta con las chicas que lo ayudan a cruzar la calle, cómo una ex prostituta se vuelve una actriz apasionada capaz de morir por amor, cómo un industrial abnegado llega a ser un celópata demencial.
Es la ley Almodóvar, lo que vemos en la pantalla es el fruto de una larga, complicada, a veces disparatada cadena de mutaciones y hacer una película no es otra cosa que rastrear esa cadena, detenerse en sus nudos y descifrar sus enigmas. Filmada en 2009 Los abrazos rotos, la película que vamos a ver esta noche en Primer Plano en el marco de este mes dedicado al cine europeo, es la cuarta colaboración de Almodóvar con Penélope Cruz y quizá el film en el que Almodóvar lleva al límite el pathos que inventó, que ya es de algún modo su sello de fábrica: el entusiasmo melancólico.
Nada sale bien en Los abrazos rotos, hay vidas cegadas, amores no correspondidos o truncos, películas sin terminar, proyectos abortados, todo tiene el signo de lo interrumpido, lo inconcluso, lo fúnebre y sin embargo hay en el film una energía, un vigor, un brío extraordinario, (extraordinariamente contagioso) que parecen aceptar esas ideas trágicas y al mismo tiempo superarlas, atravesarlas sin borrarlas, dejarlas atrás sin negarlas nunca.
Los abrazos rotos es 100% melodrama: las pasiones hacen y deshacen a su antojo, el pasado vuelve una y otra vez, todo lo que subió puede caer y viceversa. Pero es un melodrama que gira alrededor del cine y por lo tanto un melodrama extrañamente optimista. Una vida no puede reeditarse, una película sí, cuantas veces se quiera. Los abrazos rotos es un film de creyente, incluso de creyente fanático, sólo que el dios de Almodóvar no es Dios, es el cine.

El texto es transcripción de la presentación realizada por Alan Pauls el 10 de octubre de 2012 en el marco del ciclo especial sobre lo mejor del cine Europeo en Primer Plano I sat:  



17/3/17

RETOS LECTURA 2017

2017 un año de retos literarios.


LEER UN LIBRO:

SEGÚN TIEMPO, LUGAR, EXTENSIÓN Y POPULARIDAD:
  1. Clásico universal
  2. Clásico de tu país
  3. Publicado en 2017
  4. Publicado el año que naciste
  5. Publicado por un autor que haya nacido el mismo día que vos
  6. De un autor contemporáneo de tu país
  7. De un autor contemporáneo de otro país
  8. De un autor no contemporáneo de tu país
  9. De un autor no contemporáneo de otro país
  10. Ambientado en tu ciudad
  11. Ambientado en una ciudad que deseas conocer
  12. Ambientado en un lugar de: 
    1. Asia
    2. América
    3. Europa
    4. África
    5. Oceanía
  13. De un autor
    1. Asiático
    2. Americano
    3. Europeo
    4. Africano
    5. Oceánico
  14. De más de 500 páginas
  15. Que puedas leer en un día
  16. De menos de 200 páginas 
  17. En otro idioma
  18. Que haya ganado un premio
  19. Prohibido, censurado o de un autor maldito
  20. Llevado a la pantalla
  21. Best Seller
  22. De un autor de menos de 30 años
  23. De un autor popular
  24. El primer libro de un autor popular
  25. De un autor nuevo o que desconozcas


 SEGÚN TU HISTORIA
  1. Que dejaste sin terminar
  2. Pendiente
  3. Robado
  4. Prestado
  5. Heredado
  6. Que hayas leído hace mucho
  7. Que hayas conseguido barato
  8. Que haya salido caro
  9. Que te haya costado mucho conseguir
  10. Famoso que no hayas leído
  11. Con el que tropezaste sin querer
  12. Que alguien eligió para vos
  13. Recomendado por uno de tus padres
  14. Recomendado en una red social
  15. Recomendado o el favorito de tu autor favorito
  16. Recomendado o el favorito de un amigo
  17. Escrito por alguien que conozcas
  18. Sobre un personaje de tu profesión
  19. De un autor con tus iniciales



QUE INCLUYA:
  1. Una sola palabra en el título
  2. Un número en el título
  3. Un nombre propio en el título
  4. Un símbolo
  5. Un fenómeno astrológico
  6. Un accidente geográfico
  7. Una estación del año (verano, otoño, invierno o primavera)
  8. Una etapa de la vida (infancia, adolescencia, adultez o vejez)
  9. Un momento de alimentación (desayuno, almuerzo, merienda, cena o colación)
  10. Un elemento básico de la naturaleza (aire, fuego, tierra o agua)


DE LOS SIGUIENTES GÉNEROS NARRATIVOS:
  1. Ensayo
  2. Poesía
  3. Teatro
  4. Crónica/ de viajes
  5. Periodismo
  6. Diario íntimo
  7. Cuento
  8. Mito, leyenda o con personajes no-humanos
  9. Ilustrado o comics, historietas, etc.
  10. Tipo Folletín
  11. Novelas:  
    1. Dialogada
    2. Epistolar
    3. Basada en hechos reales
    4. Autobiográfica
  12. Histórica
  13. Actual
  14. Futurista
  15. De tiempos no- convencionales
  16. Homodiegética (primera persona protagonista)
  17. Intradiegética (primera persona testigo)
  18. Extradiegética (tercera persona omnisciente)
  19. Aventura
  20. Ciencia ficción o fantástica
  21. Suspenso
  22. Policial
  23. Divertida (comedia, de humor, sátira, etc.)
  24. De terror
  25. Psicológica
  26. Erótica
  27. Romántica


16/3/17

THE KLASS (Ilmar Raag, 2007)


Algo huele a podrido en la escuela secundaria donde transcurre The Klass, la película que vamos a ver esta noche en Primer Plano en este mes dedicado al cine europeo. Es una escuela estoniana pero eso no le da derecho a ningún exotismo, es cierto que los celulares son algo anacrónico pero el resto es igual y global: adolescentes parcos o gritones, marcas, chicas con piercings, fiestas con alcohol y metal, ciberdependencia y lo que huele mal allí es lo que huele mal en la mayoría de las secundarias del mundo: la moda siniestra del bullying, la práctica de acoso y violencia que convierte un aula en una sala de tormentos.
No hay duda de quienes son víctimas y quienes verdugos en la película de Ilmar Raag: las víctimas son Joosep, un chico tímido, huidizo, poco ducho para el básquet y la fanfarronería y Kaspar, el compañero que decide protegerlo, menos por piedad que para hacer méritos frente a su novia, Thea, una rubia muy poco confiable; y los verdugos son el resto de la clase, una pandilla de esclavos liderada por un aprendiz de gánster llamado Anders.
The Klass es el registro cotidiano de un abuso que va de menor a mayor, de una chicana trivial al ultraje más sofisticado en un… que Ilmar Raag maneja con un pulso diabólico. Para Joosep y Kaspar cada día que pasa, cada vuelta al colegio es la promesa de una pesadilla, nunca saben con qué se encontrarán cuando entren a la clase, pero saben siempre que no será algo bueno: robos, burlas, golpes, hostigaciones de sadismo, el menú de abusos es variado y es físico pero también tiene su variante on line, más contemporánea, donde la humillación es un espectáculo de masas.
The Klass es una película cruda, directa, filmada en el registro nervioso de la crónica; Ilmar Raag bien los rituales de la crueldad escolar y señala como al pasar sus posibles causas: los dobles mensajes familiares, la debilidad institucional, el descrédito de la autoridad, pero nunca es tan sagaz como cuando pone en escena el horror de los horrores: el código de silencio que envuelve al Bullyng, a los que lo sufren como a los que lo practican, esa especie de ormentad adolescente donde anidan, recordemos Columbine y otras carnicerías escolares, las catástrofes más sangrientas.

El texto es transcripción de la presentación realizada por Alan Pauls el 2 de octubre de 2012 en el marco del ciclo especial sobre lo mejor del cine Europeo en Primer Plano I sat:  



13/3/17

NORTEADO (Rigoberto Perezcano, 2009)


Antes de ser eclipsado por el narcotráfico el gran tema que solía poner a México en la mira del mundo era la frontera que comparte con los Estados Unidos: inmigración ilegal, corrupción, tráfico de todo tipo, viejos reclamos territoriales; mucho de los problemas más álgidos de México se condensan en ese largo muro de chapa acanalada que aparece una y otra vez en las imágenes de Norteado, la opera prima de Rigoberto Perezcano que vamos a ver esta noche en Primer Plano en este mes dedicado al nuevo cine mexicano.
Aquí la frontera es un personaje más, casi la protagonista omnipresente de esta historia que empieza cuando un joven mexicano (Andrés García) cruza todo el país, de Guajaca hasta Tijuana, convencido de que los tres mil quinientos dólares que ha pagado le permitirán cruzar la frontera de baja California y cumplir su sueño: juntar dinero en Estados Unido y volver luego a México a buscar a su mujer y sus dos hijos. El plan, en rigor, no es más que una estafa. García es abandonado a su suerte en el desierto y luego fichado por la policía migratoria norteamericana. Sin dinero queda varado en Tijuana al acecho de la primera chance de cruzar que se le presente.
Como suele pasar es en los tiempos muertos de la espera donde suceden las cosas. García empieza a trabajar en un almacén y entra en contacto con dos mujeres (Ela, la dueña del lugar y Catalina, su empleada) que le dan asilo o ayuda y terminan encariñándose con él. Hay mucho en común entre los tres: el pudor, la reticencia, la cerveza, los mariachis y sobre todo la obsesión de la frontera; García quiere cruzarla a toda costa, Ela y Catalina, que los hombres que las abandonaron por cruzarla vuelvan, algún día, a buscarlas.
Norteado es una película seca, que habla poco, en voz baja y confía (como sus personajes) en la fuerza de lo no dicho, lo que se desliza entre las palabras. Contra los melodramas vociferantes de González Iñarritu, Prezcano apuesta por un relato sutil, engañosamente modesto, que retrata muy bien el trance de la inmigración pero también rescata el placer, la víspera de felicidad, que puede surgir a veces de los estados y los lugares más transitorios.


El texto es transcripción de la presentación realizada por Alan Pauls el 26 de Septiembre de 2012 en el marco del ciclo especial sobre Cine de México en Primer Plano I sat:  





9/3/17

CINCO DÍAS SIN NORA (Mariana Chenillo, 2008)


Después de intentarlo catorce veces, a los 63 años, Nora se toma tres frascos de pastillas y consigue suicidarse. Dejar una última voluntad es demasiado poco para alguien tan ambicioso y tan controlador. Nora es una mujer judía, ha elegido morir cuando empieza la fiesta de Pesaj, perfectamente consciente de que esa coincidencia obligará a posponer cinco días su entierro. Lo que deja, pues, cuando muere son esos cinco días programados hasta el último detalle, con la mesa puesta para todos sus deudos (un hijo, un ex marido, una mucama de años, una hermana, el rabino de la familia y su médico personal) y deja también el menú religioso íntegro, minuciosamente preparado en la heladera.
Ese es el punto de partida de Cinco días sin Nora, la película de Mariana Chenillo que vamos a ver esta noche en Primer Plano en este mes dedicado al nuevo cine de México. El título es irónico, por supuesto, y marca un poco el tono del film: nunca Nora está tan presente como en esos primeros cinco días que su familia pasa sin ella. Más que un fantasma Nora es una  suerte de guionista astuta y manipuladora cuyo testamento es el libreto que sus seres queridos deberán interpretar como ella lo ha decidido. Solo José, su ex marido, intenta resistirse a la manipulación. La lucha entre ese ateo cínico y esa déspota sin fronteras es la columna vertebral del film de Chenillo.
Cinco días sin Nora es un drama familiar disfrazado de suave farsa fúnebre, como decía un personaje de Crímenes y pecados (la notable película de Woody Allen) comedia es tragedia + tiempo, una máxima que Chenillo toma al pie de la letra y combina con la vieja manía mexicana de reírse de la muerte. El suicidio, el desamor, la orfandad, los rencores acumulados de la vida familiar, las discrepancias religiosas, todo lo que podría ser trágico  o melodramático se vuelve risueño a medida que transcurren los cinco días que la difunta sigue orquestando desde el más allá. Los mandatos de la fe se autoparodian, los secretos de familia muestran su cara más absurda, el luto llama a la picardía y los ataúdes terminan volviéndose inofensivos y amables como juguetes. 

El texto es transcripción de la presentación realizada por Alan Pauls el 19 de Septiembre de 2012 en el marco del ciclo especial sobre Cine de México en Primer Plano I sat:  



6/3/17

EL SICARIO, ROOM 164 (Gianfranco Rossi, 2010)


Una habitación de hotel y un hombre hablando a la cámara, eso es todo lo que necesita Gianfranco Rossi para hacernos correr frío por la espalda. Así de mínimo y así de eficaz es el dispositivo que sostiene El sicario, el singular documental unipersonal que vamos a ver esta noche en Primer Plano en el marco de  un mes dedicado al cine de México. Claro que el personaje que monologa ante a la cámara de Rossi no es cualquier personaje, es un sicario, un asesino a sueldo del narcotráfico y lo que cuenta a lo largo de la película es su propia historia de vida: cómo se hizo sicario, cómo secuestró, torturó y mató pero también cómo es la lógica interna de la organización a cuyas órdenes estuvo durante veinte años.
Quizá uno de los puntos más fuertes del film de Rossi sea que el sicario no tiene rostro, de hecho lo vemos tapándose lo en la primera escena, escondiéndolo bajo la tela negra que lo enmascara durante toda la película, el detalle es una precaución de seguridad pero también un poderoso signo histórico y cultural (y remite a los verdugos medievales). Enmascarada la voz del sicario es doblemente amenazante, como si fuera la voz de un monstruo cuya cara nos sería intolerable, la voz misma de la muerte. Y a la vez eso es lo que le da la extraordinaria libertad que tiene en el film, lo que le permite hablar sin pudor, confesarlo todo, desplegar con lujo de detalle el infierno de la industria criminal para la que trabajó.
El otro punto fuerte del film es ese estilo opaco, minucioso con que el verdugo narra su prontuario sangriento. Si el relato nos estremece no es sólo por las muertes que incluye o la brutalidad de su modus operandi sino también porque habla de ellos como un burócrata, no dramatiza, no carga las tintas, no es espectacular; es seco, analítico y desapegado como si matar por dinero fuera una variante de la contabilidad. No hay una sola imagen en el film de lo que hizo el sicario, lo que ocupa el lugar de esas imágenes son los mapas, los gráficos, los cuadros sinópticos que el asesino va haciendo en un cuaderno a medida que habla; suerte de organigrama didáctico de una institución criminal que ha hecho de México, sobre todo del norte del país, uno de los territorios más violentos del planeta.

El texto es transcripción de la presentación realizada por Alan Pauls el 12 de Septiembre de 2012 en el marco del ciclo especial sobre Cine de México en Primer Plano I sat:  



2/3/17

VERANO DE GOLIAT (Nicolás Pereda, 2010)


El niño prodigio del nuevo cine mexicano se llama Nicolás Pereda, tiene menos de treinta años y cinco estupendas películas que ya se foguearon en los festivales más prestigiosas del mundo, la última, la que vamos a ver esta noche en Primer Plano inaugurando el especial sobre cine de México es Verano de Goliat, una película de 2010 que ganó premios en Venecia, en el Festival de Valdivia y en el BAFICI.
Verano de Goliat es un panorama de la vida rural en Huilotepec, un pequeño pueblo de México signado (como tantos otros) por el atraso, la pobreza, la corrupción y la violencia. Pereda baraja al mismo tiempo varias líneas narrativas. Una, la principal, es la historia de Teresa, una mujer estancada en el dolor que le infringió su marido al abandonarla. Las otras, más tenues, incluyen al hijo de Teresa (Gabino) que intenta ganarse la vida en el ejército y se divierte matoneando inocentes y a una pequeña pandilla de niños nucleados alrededor de Goliat (un adolescente sospechado de haber matado a su novia).
Pero el modelo narrativo de Verano de Goliat no es el coro sino el rompecabezas. Pereda va y viene entre las historias con toda libertad, armando un mosaico irregular donde lo que no se ve, lo que se omite, es tan importante como lo que se ve. Cada historia es una pieza y cada pieza una visión parcial, un pequeño flash de esa realidad inhóspita que es el mundo de Huilotepec. Como todos los buenos cineastas Pereda sabe que en el cine la forma es el lugar de la invención y Verano de Goliat multiplica los hallazgos formales. El film de Pereda se mueve sin escrúpulos entre la ficción y el documental, usa técnicas de entrevistas y reenactments y pone en evidencia el artificio que subyace a toda imagen. Pero como el portugués Miguel Gómez o el tailandés Apichatpong Weerasethakul, dos cineastas actuales con los que tiene mucho en común, Pereda es un artista a la vez crítico y mágico. Crítico porque no da nada por sentado; mágico porque es de una sensibilidad mágica notable. Verano de Goliat nos obliga a interrogarnos una y otra vez sobre lo que vemos pero también nos sorprende, nos transporta y nos hechiza. 


El texto es transcripción de la presentación realizada por Alan Pauls el 5 de Septiembre de 2012 en el marco del ciclo especial sobre Cine de México en Primer Plano I sat:  


27/2/17

TILVA ROS (Nikola Lezaic, 2010)



Toda y Stefan son adolescentes y amigos, viven en Bor, una ciudad minera de Serbia, y están en plena cuenta regresiva, cuando termine el verano Stefan se irá a Belgrado a estudiar y Toda tendrá que conseguirse un trabajo, todo va a cambiar, algo clave para ellos se habrá perdido o al menos modificado, la vida adulta habrá empezado.
Ese último verano es el eje de Tilva Ros, la película de Nikola Lezaic que vamos a ver esta noche en Primer Plano dentro del ciclo dedicado a óperas primas y directores jóvenes. Un verano preñado de exaltación y de rabia, porque Bor está en llamas, los mineros protestan contra la privatización de las minas y Toda y Stefan tienen su propia leña para echar al fuego. El dúo lidera un grupo llamado Colos, mezcla de equipo de skaters, grupo político y pandilla que entrena en las periferias devastadas de la ciudad, vandaliza supermercados y pretende emular las payasadas autoflagelatorias de Jonny Knoxville, la estrella de MTV.
A mitad de camino entre la delincuencia, el deporte, la performance mediática y el berrinche teenager, el menú de acciones de Colos es variado, incluye rayarse las rodillas con un rayador de queso, tirarse de quince metros de altura, activar alarmas de autos estacionados y atravesarse las mejillas con una aguja: proezas que el grupo además registra minuciosamente con sus cámaras de video.
Si Nikola Lezaic es una suerte de Gus van Sant balcámico, capaz de retratar a sus adolescentes con precisión en un registro casi documental, Tiva Ros es Rebelde sin causa en versión serbia y contemporánea. Una película tensa, física, hiperactiva organizada en dos planos paralelos, el plano de las grandes causas (la protesta sindical de los padres) y el plano de las causas suicidas, las causas sin rumbo ni sentido que se agotan en el desplante o el automartirio (las acciones de los hijos). Todo parece oponerlos y sin embargo comparten mucho más de lo que se ve, comparten la desesperación, el miedo ante el mundo que cambia, la rabia hacia los que pretenden imponer su voluntad como si fuera la única posible.


Presentación realizada por Alan Pauls en julio de 2012,  Primer Plano I.Sat, especial Primeras películas y directores jóvenes. 

Transcripción del siguiente enlace audiovisual: https://vimeo.com/46432902

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23/2/17

GABI ON THE ROOF IN JULY (Lawrwnce Michael Levine, 2010)



Para Gabi on the roof in July, su debut en el largometraje, el americano Lawrence Michael Levine eligió una premisa clásica: el tema del forastero que llega y altera todas las reglas del ecosistema que lo acoge. Lo que hizo Pier Paolo Pasolini en Teorema donde Terence Stamp, como un ángel diabólico, caía en medio de una familia burguesa italiana y la volvía literalmente loca. Levine lo adapta al Brooklyn de hoy, barrio cool por excelencia y al mundo de los boubou, esos jóvenes bohemio-burgueses que se bañan poco, saben mucho de vinos y solo salen a visitar galerías de arte.
La forastera esta vez se llama Gaby, tiene veinte años y cae de golpe (con su hámster enjaulado y su desorientación) en la casa que su hermano Sam, un artista plástico emergente, comparte (o debería compartir con compartir, porque el que paga la renta siempre es él) con dos amigos. ¿Por qué Gaby se instala en Brooklyn? No lo sabemos. Sabemos que se define como una artista feminista post pero no la vemos pintar ni hacer nada lejanamente emparentado con el arte, salvo fumar porro y desnudarse delante de todo el mundo. Unas pocas semanas después, el mundo de Sam y su símbolo principal (su departamento) está en crisis, crisis de amor, de sexo, de dinero, de arte y de amigos.
Programado dentro del ciclo dedicado a óperas primas y jóvenes directores Gaby on the roof in July encuentra su originalidad en el método con que fue filmada, sin guión, a partir de largas y complejas improvisaciones grupales, siguiendo esos rastros azarosos que brillan tanto en el cine de John Cassavetes o de Mike Leigh. El personaje de Gaby, una colgada encantadora que siembra desastres sin darse cuenta, es un punto de partida fuerte, el agente bacteriano que intoxica un medioambiente estable y armónico pero el fuerte del film de Levine es la frescura con que respiran sus actores, la verdad dramática o cómica con la que tropiezan sobre la marcha tan sorprendente para ellos como para el espectador; y la mirada sagaz ( a la vez irónica y empática) con que despelleja el mundo al que pertenece.

Presentación realizada por Alan Pauls en julio de 2012,  Primer Plano I.Sat, especial Primeras películas y directores jóvenes. 

Transcripción del siguiente enlace audiovisual:



20/2/17

FLOWER OF EVIL (David Dura, 2012)


Flowers of Evil, la ópera prima de David Dusa, es una historia de amor, una historia de amor cien por cien contemporánea atravesada por la política, la tecnología y los medios de comunicación. Corre el año 2009, Anahita ha dejado Teherán donde las elecciones acaban de desencadenar un reguero de revueltas populares y llega a París por primera vez. En el hotel donde para conoce a Rachid que se gana la vida como botones pero es un devoto del break dance  y el parkour y conoce la ciudad como la palma de su mano (la Torre Eiffel, el Sena, las terrazas de los bares, los versos de Baudelaire). Del turismo cultural al romance hay solo un paso y Rachid iy Anahita, el callejero y la intelectual, el cuerpo y la mente, no tardan en darlo.
Pero las cosas no son tan simples porque Anahita es una chica conectada y la misma conexión que le da acceso a la intimidad de Rachid, a sus sesiones de entrenamiento y sus clips privados, le permite seguir lo que pasa en Irán por la pantalla de su computadora portátil en continuado: las manifestaciones de protesta, la toma de la universidad, la represión policial, el acoso que sufren sus amigos activistas. Le llegan imágenes de teléfonos celulares y cámaras de video domésticas, todo lo ve al instante por youtube, de todo se entera por facebook, twitter o chateando con su familia. Anahita ya no está en París, donde querría estar, pero tampoco está en Teherán, donde se siente culpable por no estar. No vive ni en el presente ni en el pasado y en esa tierra de nadie, donde ha quedado varada, tampoco puede estar con Rachid.
Programada en el ciclo de óperas primas y jóvenes directores de Primer Plano Flowers of evil elige contar una historia de amor para desplegar algunas de las preguntas que plantean los medios, las imágenes y la comunicación en la era de la hiperconectividad generalizada. Conectados ¿somos más sociales o más privados? ¿Intervenimos más en la realidad o solo la contemplamos como un espectáculo? ¿Recordamos más o somos más amnésicos? ¿Vivimos más aquí y ahora o hacemos del presente un archivo que nos excluye? Y la pregunta más decisiva ¿Qué lugar tiene la conexión amorosa en un mundo que hace del link una obligación, un mandato, una orden?


Presentación realizada por Alan Pauls en julio de 2012,  Primer Plano I.Sat, especial Primeras películas y directores jóvenes. 


Transcripción del siguiente enlace audiovisual:

17/2/17

La idea que puede cambiar el curso de la historia


Leí por ahí que dos científicos newyorkinos (Siddharth Dhomkar y Jacob Henshal) están realizando un "brillante" trabajo: almacenamiento de lenguaje binario en uno de los materiales más resistentes - y caro- del mundo: diamantes. 
Varias son las razones que justifican el proyecto:  la resistencia, la dureza y la cantidad de capas de la estructura cristalina. Pero la más importante es, quizá,  la aparición de imperfecciones (esos huequitos hechos de átomos de hidrógeno) que rompen con el impecable orden encadenado y aglomerado del carbono... pues es allí, precisamente, donde podrían grabarse los datos. 
Los social-rebeldes pueden (si quieren) realizar todo tipo de argumentos en función de la potencia anti-enajenante de la inteligencia; los psicólogos, reivindicar la utilidad de las imperfecciones y así... 
Propongo algo más revolucionario aún: en lugar de perpetuar las injusticias sociales y la autoestima con estas piedras preciosas extremadamente inalcanzables para la población en general, usemos CUCARACHAS, sí, sí, cucarachas... Producto equitativo si los hay (y si acaso no lo cree pruebe dejar un poco de comida en el suelo dos días y se hará de una mascotita enseguida) que podría significar  el fin de las desigualdades y miserias en el mundo (digital y su acceso para quienes viven en un lugar donde estos bichitos abundan no por elección sino por las condiciones de vida en las que se los está dejando morir). 
Pues dígame usted si no hay algo más imperfecto, lleno de capitas, duro, inmortal y resistente que una cucaracha. Algunos dicen, incluso, que podrían ser la única especie que sobreviva a un ataque nuclear, característica que garantizaría que los futuros habitantes del universo hereden nuestro (tan necesarios) legado cultural  -entre los que se incluye esta nota-. 
Resultado de imagen para cucaracha

13/2/17

LA DISTINCION


"La distancia que nos separa, original en sí, la aumentamos con nuestras vanidades, nuestros amaneramientos, nuestra insolencia, porque nosotros también somos comediantes".
 LOS NEGROS, GENET CITADO POR BOURDIEU EN LA DISTINCIÓN' CRÍTICA Y BASES DEL GUSTO SOCIAL